Galleria Ca' d'Oro » Roma

IREM INCEDAYI – ARCHETIPI

barbara — Thu, 02 Mar 2017 11:45:24 +0000

IREM INCEDAYI

ARCHETIPI

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a cura di Cristina Porcella

dal 10 al 24 marzo

I segni e le linee che fluiscono sulle tele di Irem, ci rimandano a quell’archetipo di segno che l’uomo ha utilizzato quale mezzo di comunicazione prima ancora del linguaggio.

Irem esplora il segno come archetipo, forma primitiva di pensiero e di idee nate dall’inconscio, alla base delle espressioni mitico religiose dell’uomo.

Irem dispone le sue mutevoli linee alla ricerca di quelle espressioni , linee che si rincorrono, che si infrangono, a volte si rispecchiano nello scorrere della storia e delle culture che nel tempo si sono scontrate e sovrapposte.

La natura quale modello di bellezza e perfezione ha guidato da sempre la mano dell’uomo nel tracciare le sue linee.

Così nelle opere di Irem, i segni sinuosi ed eleganti, le linee che si fanno scrittura sono simboli della ricerca di quel modello, segni immersi nei colori cangianti e soffusi delle innumerevoli albe e tramonti che hanno guidato l’archetipo del segno fino a noi.

BIO:

Irem Incedayi nasce a Roma in una famiglia di artisti, si laurea nel ’94 all’Accademia di Belle Arti di Roma. Le sue radici culturali spaziano da Oriente a Occidente. Nelle sue frequenti permanenze ad Istanbul, Irem subisce il fascino di un mondo raffinato e misterioso fatto di palazzi e moschee che splendono e si dissolvono nel pulviscolo d’oro delle albe e dei tramonti del Bosforo.

Nel 2007 in Campidoglio a Roma riceve dal Sindaco il Premio per la pittura “…per aver creato in qualità di artista dei due mondi un ponte ideale tra cultura occidentale e cultura orientale..”

La sua tecnica, messa a punto sin dai primi lavori, dalla metà degli anni ’90 ha un forte legame con l’archeologia e il culto del passato. L’uso di colori polverosi, realizzati con terre miste, sabbiose, foglie d’oro e d’argento, permette di ricreare gli effetti di corrosione di un tempo vissuto.

Irem partecipa ed espone in mostre collettive internazionali e realizza numerose mostre personali in varie parti d’Italia, in Turchia e negli Stati Uniti.

Attualmente vive e lavora tra Roma e Istanbul.

MARKOUT 1/1 a cura di BANNA’I STUDIO e UAU ART

barbara — Wed, 25 Nov 2015 12:06:14 +0000

a cura di Banna’i Studio e UAU ART(Urban Art Utopia)

04 – 18 Novembre 2015

Galleria Cà D’Oro – Via del Babuino, 53 Roma

L’arte incontra il design. MARK OUT 1/1 è un ambizioso progetto di Banna’i Studio che connette la contemporaneità della street art alla tradizione artigianale italiana, con un occhio attento alle nuove tecnologie.

Con MARK OUT 1/1, Banna’i Studio punta ad accostare il design all’arte, coinvolgendo undici tra i migliori street artist della scena romana in una sfida per la creazione di complementi d’arredo unici, realizzati con le più moderne tecniche d’artigianato digitale che vanno dalla stampa 3D alla fresa a controllo numerico.

MARK OUT 1/1 presenta in anteprima le opere inedite di Alt97, #Cancelletto#, Diavù, Gojo, Groove Lucamaleonte, Maria Carmela Milano, Mr Klevra, Mister Thoms, Omino71, Solo.

MARK OUT 1/1, nel gergo americano “lasciare una traccia”, concretizza un’idea unica nel suo genere, grazie alla quale l’artista sigla con la propria impronta un oggetto di design destinato ad entrare nell’uso quotidiano: arte, design e artigianato digitale si fondono e, grazie alla collaborazione con UAU ART (Urban Art Utopia), trovano nuova dimora tra le mura della storica e prestigiosa galleria romana Cà d’Oro in Via del Babuino, 53.

Tra i pezzi unici della mostra, visitabile gratuitamente dal 4 al 18 Novembre sono presenti:

la chaise longue “K-1” di Mr Klevra, in legno e alluminio tagliato ad acqua, i cui segni calligrafici dell’artista accompagnano la silouhette della seduta; la lampada “Madrilù”, matrioska concepita da Alt97 e realizzata tramite la stampa 3D; l’elegante tavolo in rovere “Äbundantia” di Lucamaleonte la cui parte centrale, incisa al taglio laser riproduce un motivo floreale con ape realizzato dallo street artist; l’impianto di diffusione audio HI-FI “Fat you” di Omino71 che coniuga un’icona street, quale il cap delle bombolette e il design alla migliore tecnologia audio.

A sottolineare i differenti percorsi degli artisti presenti, la mostra espone anche opere inedite a cura di UAU ART (Urban Art Utopia), il cui tema prende ispirazione dall’arte decorativa del Banna’i (a cui lo Studio deve il proprio nome): forme geometriche, pattern, tag, rappresentazioni figurative si alternano nella realizzazione di tele dal formato 70×70.

Partner dell’iniziativa sono: Ceramiche Maroso, Due Ancore di Marcello Beltrame, Neon Angher e Studio d’arte Candeloro.

FULL IMMERSION – Andrea Puccetti e Gloria Satta

barbara — Wed, 17 Jun 2015 09:49:30 +0000

FULL IMMERSION

Andrea Puccetti e Gloria Satta

a cura di Laura Mocci e China Porcella

Opening Mercoledì 24 giugno h. 19-21

Bagliori, ombre lontane che si aggirano imponenti, movimenti impercettibili colti a distanza, figure che scompaiono e improvvisamente riappaiono baluginando. Grandi occhi, linee spezzate, branchie, squame, pinne, mandibole mobili e non, animano le sagome di pesci reali e fantastici. Grazie a lievi correnti d’aria, si muovono in gruppi compositi o in solitudine, come in una danza, portando l’osservatore a immaginarsi abitante di una realtà sottomarina.

Subacqueo, biologo, ma soprattutto homo faber, Andrea Puccetti studia Alexander Calder. Il gioco di equilibrio tra pesi e movimento, unito all’apparente leggerezza con cui il grande artista statunitense unisce le singole forme che lo affascinano. taglia lamiere di alluminio, recupera lastre di ottone, seleziona frammenti di rame, di acciaio, li unisce utilizzando microscopiche viti (mai la colla) e con un sapiente lavoro di bilanciamento li trasforma in saraghi, cefali, orate, cernie perennemente in movimento in un mare immaginario.
Simili ma diversi come in natura, i singoli esemplari presentano caratteristiche proprie che li rendono unici rispetto ai loro simili e contemporaneamente parte integrante di un gruppo. metafora forse del nostro essere, “full immersion”, in cui gioco e ricerca si bilanciano magistralmente, sembra volere alludere alla leggerezza del nostro esistere sottolineandone, con ironia, l’imprevedibilità.

Laura Mocci

Andrea Puccetti è biologo e bricolaire. la sua passione per il mondo sottomarino è alla base di “full immersion”. Vive e lavora a Roma.

Sponsor:

UAU (Urban Art Utopia) – Diavù, MauPal, Solo

barbara — Fri, 27 Mar 2015 13:04:24 +0000

UAU! La Street Art arriva “indoor” nella Galleria Ca’ d’Oro, luogo storico di esposizioni dei più grandi nomi dell’arte del Novecento, che accoglie il progetto di Cristina Porcella e Marta Ugolini.

Fenomeno globale, ricco di stimoli e in continuo fermento dall’inizio del nuovo millennio, l’Urban Art rende manifesto il proprio percorso creativo ed il suo messaggio offrendosi alla fruizione pubblica. Negli ultimi anni l’attenzione nei confronti del movimento è cresciuta con la naturale apertura verso nuovi input ed esperienze “al chiuso” sono state portate avanti con successo.
La mostra collettiva presenterà tre artisti romani:
Mauro Pallotta aka Maupal, celebre per il SuperPope “twittato” dal Vaticano e poi ricevuto in udienza da Papa Francesco; David Vecchiato aka Diavù, ideatore e fondatore de il M.U.ro, museo a cielo aperto del Quadraro; Flavio Carbonaro aka Solo, celebre per i suoi super eroi umanizzati.
I tre artisti eseguiranno una performance sui muri della Galleria per avvicinare il pubblico alla comprensione delle tecniche utilizzate.

WORKS

DIAVU’

MAUPAL

SOLO

Rassegna Stampa cartacea

BIOGRAFIE

DIAVU’: (David Vecchiato) vive e lavora a Roma. È artista e curatore, cartoonist e musicista. All‘inizio degli anni ‘90 fonda e dirige diversi magazine indipendenti di arte, fumetti, musica e cultura underground e realizza cartoon per l’emittente tv italiana Videomusic. Di quegli anni sono le prime apparizioni a Roma di sue opere di Poster Art illegali. Dal 1996 partecipa a mostre (a La Triennale di Milano/OFF a Palermo, MuseiON di Bolzano, Museo MADRE di Napoli e in numerose gallerie in Europa e Stati Uniti). Nel 1997 ha la prima personale all’HIU, Happening Internazionale Undergound al Leoncavallo di Milano. Dal 1992 pubblica illustrazioni (La Repubblica, Musica di Repubblica, Alias, ecc), fumetti (Frigidaire, Blue, Linus, Il Cuore, ecc), articoli su arte e fumetti (La RepubblicaXL, Il Fatto Quotidiano, ecc). Ha realizzato copertine di libri e di dischi. Dal 2007 realizza regolarmente opere di Urban Art. È art director del progetto artistico Mondopop, cura il festival itinerante di Urban Art “Urban Superstar Show” (MADRE 2009 e 2010, Galleria Provinciale di Cosenza 2012 e 2013) e ha ideato e cura il progetto MURo Museo di Urban Art di Roma. Insegna Fenomenologia delle arti contemporanee allo IED di Roma e, dal 2015, cura la serie di documentari sulla Street Art “Muro a…” per Sky ARTE.

MAUPAL: Mauro Pallotta nasce a Roma il 20 Maggio 1972. Frequenta l’Accademia delle Belle Arti rivelando un talento nel disegno. Attratto dalla sperimentazione, include nel processo creativo diversi materiali. Nelle prime opere usa carte da gioco, legno, tappi di sughero, vetro e plastica, oggetti estrapolati dal vissuto quotidiano e poi assunti in un progetto depositario di significati diversi. In seguito mostra un vivo interesse per le potenzialità scultoree insite nella lana d’acciaio. Essa viene usata come supporto per figurazioni in cui immagini a prima vista abbozzate si ricompongono in maniera realistica nella retina dell’osservatore. Questa tecnica, propria ed esclusiva di Mauro Pallotta, è stata particolarmente apprezzata dalla critica internazionale ed in particolar modo dal Wall Street Journal, poiché considerata come ponte tra pittura e scultura.Oltre ad essere un artista d’arte contemporanea, Mauro Pallotta crea anche grandi raffigurazioni ed opere di street art sotto lo pseudonimo di Maupal. Il suo murale SuperPope è diventato internazionalmente riconosciuto a gennaio 2014, quando è apparso sulla facciata di un palazzo vicino a Piazza San Pietro a Roma. Mauro Pallotta è stato ricevuto personalmente da Papa Francesco, al quale ha regalato una piccola riproduzione dell’opera. Tra le altre opere di street art, si ricordano la Yogaqueen, in occasione del referendum scozzese, a Londra, L’occhio è l’unico che può accorgersi della bellezza, in omaggio a Pasolini, ed Alternativa Europea, un salvadanaio rotto le cui crepe delineano il profilo dell’Unione Europea, a Bruxelles. Mauro Pallotta partecipa ad eventi di arte contemporanea e di street art in ed esibisce in gallerie e istituzioni pubbliche di tutto il mondo. Attualmente vive tra Roma e Londra.

SOLO: Solo nasce a Roma nel 1982. La sua passione per l’arte ha inizio nei primi anni novanta e nel 2000 si avvicina al nascente movimento della Street art.
Nel 2003 si iscrive all’Accademia di Belle Arti di Roma, dove si laurea sotto la guida di Michele Cossyro, pubblicando un’antologica sull’artista americano Ronnie Cutrone, importante esponente della Pop Art. L’antologica comprende un video intervista esclusiva, realizzata a New York nel 2008. Nel 2009 ha collaborato a Londra presso lo studio dei videomaker The Butchers, realizzando istallazioni di video Mapping. Nel 2011 ha partecipato alla performance live in occasione del Viennart, presso il MACRO (Museo d’ArteContemporanea di Roma). Nel 2012 è la volta del MACRO Pelanda in occasione dell’ Affordable Art Fair. Nello stesso anno ha partecipato a diversi progetti di riqualificazione urbana, sia nella città francese: Vitry-sur-Seine|Vitry Sur Seine (Francia), che presso il comune di Taormina (CT, Italia) ed Ibiza (Spagna). SOLO continua la sua produzione pittorica su tela e sui muri delle diverse città che attraversa. I supereroi, sua icona principale, una volta collocati sulla strada si trasformano in immagini offerte dall’artista al passante. Nel 2013 è volato da Parigi a Praga, per mostre personali e collettive, segnalando in ogni centro urbano la sua presenza; per poi tornare nello stesso anno, nella sua città di origine , con l’esposizione personale “Heroes in Crisis” nella galleria Varsi, a cura di Marta Gargiulo.
Nel 2014 è a Berlino con la mostra Adult Childhooh alla Pink Zeppelin Gallery , insieme a Stefano Bolcato.
Collabora alla realizzazione del dipinto sulla facciata principale della Città Della Scienza a Napoli insieme a Telethon, per onorare la memoria del giovane Francesco; decora gli spazi interni della nuova sede della Neomobile a Roma, e partecipa alla collettiva Tracks al Macro, curata da Achille Bonito Oliva, dipingendo un tram della linea 19.
I primi mesi del 2015 vola a Londra per la mostra collettiva ART IN MIND : ABSOLUTION, alla Brick Lane Gallery, a cura di The Magpie project.

OPENING

Trama Discontinua – Donatella Alessi

barbara — Fri, 27 Feb 2015 10:25:58 +0000

La galleria Ca’ d’Oro inaugura l’8 marzo una personale dell’artista Donatella Alessi. Le opere si inseriscono nella persistente vitalità della pittura materica espressa attraverso colori e trame. Una serie di titoli che richiamano quelli adottati dal mondo della musica Claude Debussy: Prime Luci, Aquiloni, Il cielo addosso. L’assenza di un oggetto riconoscibile concettualmente spinge ad attivare la propria immaginazione e a impegnarsi in una relazione interpersonale con l’opera.

Prefazione al catalogo del Prof. Alberto Panza e testo di Letizia Triches.

Catalogo

SILENZIO E RUMORE – Agostino Muratori

barbara — Thu, 15 Jan 2015 12:15:18 +0000

Nel quarantennale della sua prima mostra, la Galleria Ca’ d’Oro celebra l’opera di Agostino Muratori, pittore romano – oltre che medico e botanico – con una personale dal titolo SILENZIO E RUMORE, summa di un percorso artistico ed umano. È vitalissimo Agostino Muratori, dipinge tantissimo: quadri piccoli, grandi, scene orizzontali in campo lungo, marine, battaglie, Roma, Anzio, le navi, l’Egitto, la Russia, l’Oriente, il Far West. Sempre all’aperto. Più che un vedutista – alla cui tradizione pur si riannoda – Muratori è un narratore, pittore di “esterni”, come si direbbe con un linguaggio cinematografico. Sono rarissimi gli “interni”, forse solo un Harem e niente più. Ed è proprio in questi spazi che prende corpo e senso il titolo della mostra: SILENZIO E RUMORE. Il Silenzio della natura; una natura dilatata, vagheggiata, quasi irreale nella sua dimensione interiore. Che riecheggia l’ Infinito leopardiano… ma sedendo e mirando, interminati // spazi di là da quella, e sovrumani // silenzi, e profondissima quiete // io nel pensier mi fingo; ove per poco // il cor non si spaura… Una natura tanto più intima quanto più sconfinata. E insieme ad Agostino rimaniamo tutti in rapito silenzio di fronte al Deserto, alle steppe, al mare di Anzio e ai prati di Villa Borghese. Non è un vedutismo descrittivo, o meglio, non è didascalico. E’ un vedutismo immaginifico. Pur rimanendo nella preziosa e sapiente ed esatta descrizione dei luoghi. Non è la natura quella che ci propone Muratori, è lo spettacolo della Natura di fronte al quale lo stupore si impadronisce di noi. E poi il Rumore. Il Rumore della gente. Dei soldati, dei bambini e delle bambinaie. Delle masse nell’Aida a Caracalla, del Generale Custer e degli indiani a Little Big Horn. Il rumore delle prime macchine a Piazza del Popolo, il rumore della cavalleria araba e dei guerriglieri afghani. Il Rumore della Storia. Ma è sempre un rumore infantile, chiassoso e giocoso al tempo stesso. Il rumore della scatola di latta piena di soldatini di piombo. Perché la Storia è fatta di tante storie. E’ rivissuta guardando una volta ancora le illustrazioni del sussidiario delle elementari. E sempre utilizza, Muratori, una tavolozza di colori molto ricca. Anche i notturni sono sempre caldi, pieni e profondi a partire dai neri e dai blu. Oppure i bianchi delle distese di neve o delle spume delle onde sono sempre vivi, forti, rotondi. Così come i rossi voluttuosi di un panneggio o del comignolo di una motonave. O ancora i marroni appena bruciati della terra o delle uniformi che fanno da contrappunto ai verdi lisci e striati delle agavi e ai verdi mai severi dei pini e delle ville di Roma. Non c’è dramma, non c’è tragedia, c’è solo leggerezza e vitalità. E gli olii scorrono sempre sul legno, il supporto preferito e più spesso recuperato proprio per dare una nuova vita a un oggetto buttato o dimenticato. Un’anta di un armadio, un timone, una spalliera. Vita sopra ad altra vita.
Come si ricordava all’inizio, Muratori è un medico e un botanico. Qualcuno lo ha definito per questo un dilettante. Da un lato è vero: in questi quarant’anni ha sempre dipinto per passione, per diletto. Ma forse è proprio questo il più grande elogio che gli si possa tributare: di essere, per sua fortuna, rimasto sempre un nobile dilettante. Lontano anni luce sia dalle piccinerie opportuniste del mercato e sia dalle piaggerie asservite ai solipsismi vaniloquenti di certa critica. No. Agostino Muratori ha sempre avuto una sola stella-guida: il piacere di dipingere. Per passione appunto. Per diletto.

OPERE

INAUGURAZIONE

La Repubblica, Il Venerdì, 28-11-2014

Vanitas: Art and Fashion – Ewa Bathelier e Marina Ripa di Meana

barbara — Sat, 22 Mar 2014 11:21:30 +0000

Roma - Una nuova mostra apre al pubblico il 26 marzo, curata da Gloria Porcella presso il nuovo spazio espositivo nel cuore di Roma, in via del Babuino 53.

Questa volta i protagonisti, o meglio, le protagoniste dell’esposizione, sono due donne: Ewa Bathelier e Marina Ripa di Meana.

Ewa Bathelier è un’artista nata a Varsavia, in Polonia che dopo essersi laureata in medicina e aver terminato gli studi di lingue e traduzioni decide di dedicarsi all’arte, alla scenografia (ispirata dall’opera di Samuel Beckett) e alla pittura, seguendo un percorso molto personale legato ai problemi umani. La sua natura sensibile la porta a trasmettere attraverso le sue opere i propri sentimenti. Lo spettatore può percepire guardando le sue rappresentazioni di tutù una presenza-assenza. Sono abiti da ballo dove la figura che dovrebbe o potrebbe indossarli non è rappresentata, eppure esiste, si percepisce, pur nella sua evanescenza. Un’arte, quella di Ewa Bathelier, incentrata sul tema della solitudine.

L’altra protagonista dell’evento, Marina Ripa di Meana è invece un personaggio televisivo, stilista, scrittrice e socialitè nata a Roma. Personalità esuberante, dopo gli studi apre un’atelier di alta moda in Piazza di Spagna, diviene poi una delle protagoniste della vita mondana della Roma degli anni Sessanta, quella Roma tante volte raccontata dai film di Federico Fellini. Conosce scrittori come Moravia e Pasolini, frequenta gli artisti della Scuola di Piazza del Popolo; Mario Schifano, Franco Angeli e Tano Festa. Più tardi partecipa come opinionista e protagonista in trasmissioni televisive. Scrive diversi romanzi, gialli e sentimentali e alcune autobiografie. Dirige anche un film, Cattive ragazze (1992). Negli anni Novanta inizia il suo impegno sociale, anima campagne contro lo sterminio dei cuccioli di foca, contro l’uso di pelli e pellicce per moda, contro le corride, contro gli esperimenti nucleari francesi nell’atollo di Mururoa e continua ancora oggi a combattere per la prevenzione precoce dei tumori.

La scelta di mettere in relazione due personalità così diverse fra loro si colloca nel binomio arte- moda. L’esposizione racconta infinite storie attraverso alcuni effetti personali di Marina Ripa di Meana, i suoi cappelli e le sue scarpe in connubio estetico con i tutù diafani di Ewa Bathelier . Sono testimonianze di un vissuto personale, di un’epoca, di una scelta di gusto, ma anche simboli di vanitas, della caducità della vita.

EWA BATHELIER

OPENING

Press Release

Dagospia

HTO.tv

HTO.tv – Intervista Ewa Bathelier

HTO.tv – Intervista Marina Ripa di Meana

NTV – Intervista Marina Ripa di Meana e Gloria Porcella

Kings of Pop: Andy Warhol/Romero Britto

barbara — Wed, 05 Feb 2014 22:46:12 +0000

Kings of Pop: Andy Warhol / Romero Britto, questo il titolo della mostra – curata da Gloria Porcella e Lamberto Petrecca – che inaugura il nuovo spazio espositivo della Galleria Ca’ d’Oro in via del Babuino 53.

Per la prima volta insieme. La mostra unisce in anteprima mondiale i due big della Pop Art: Andy Warhol (Pittsburg 1928-New York 1987), che ne è in qualche modo fondatore e padre storico per antonomasia, insieme a Romero Britto (Recife 1963) che oggi ne è senz’altro uno degli epigoni più acclamati.

Un’arte nata in Inghilterra negli anni Cinquanta e definitivamente esplosa negli USA nei decenni successivi, dal linguaggio diretto, ispirato alle immagini diffuse da mass media e pubblicità da cui gli artisti prendono a prestito innumerevoli soggetti. Arte perfettamente inserita nella società dei consumi americana, in grado di rispondere chiaramente ai suoi nuovi e continui stimoli, tanto da essere definita Pop, popolare, nell’accezione di arte di massa.

Nuovi soggetti, nuovo linguaggio, nuove tecniche. Pop artists come C. Oldenburg, R. Indiana, J. Johns e R. Rauschenberg, hanno esercitato un ruolo rivoluzionario non solamente su un piano iconografico bensì sul piano tecnico con l’introduzione e la compenetrazione di tecniche non tradizionali nel campo pittorico e scultoreo.

Andy Warhol si esprimeva attraverso la pittura, la grafica e il cinema. Iniziò il suo percorso artistico studiando al Carnegie Institute of Technology stabilendosi nel 1949 a New York dove iniziò a lavorare come grafico ottenendo presto i suoi primi riconoscimenti. Sono del 1961 le prime serigrafie ispirate ai fumetti e alcune immagini ispirate da prodotti commerciali elaborate in serie – quella dei barattoli Campbell è sicuramente tra le più note – confermando come il linguaggio della pubblicità avesse ormia contribuito all’uniformità del gusto del pubblico, portando in questo modo alle estreme conseguenze il concetto di riproducibilità dell’opera d’arte, teoria affrontata già dal semiologo tedesco Walter Benjamin nel suo celebre saggio “l’opera d’arte nell’epoca della sua riproducibilità tecnica. Warhol fondò una vera e propria fabbrica, la Factory, creando una nuova immagine dell’artista fondendo la genialità artistica con gli studi di mercato.

Un percorso simile segue successivamente Romero Britto, pittore, scultore e serigrafo, definito dai critici il Warhol del 2000. L’artista brasiliano reinterpreta il concetto dell’arte pop, desiderando realizzare un’arte a portata di tutti, che possa raggiungere tutti, come lo era stata quella di Warhol e ancora di Keith Haring (sue “stelle guida”). Britto sceglie la strada della pubblicità, inaugurando la sua attività a New York. Nel 1989 raggiunge il successo con l’incarico di disegnare l’etichetta dell’absolut Vodka. Da questo momento inizia a ricevere altre commissioni, Disney, Evian, Campari e Ford. L’eclettico artista realizza inoltre ritratti, crea gadgets, borse, valigie, che vengono poi venduti nei negozi che portano il suo nome. Ormai è un apprezzatissimo “brand” dell’arte contemporanea dallo stile semplice e coloratissimo che riesce a trasmettere gioia, intento voluto che l’artista esplicitamente dichiara :”la felicità è un dovere morale…se la missione dell’arte è di rendere migliore la vita degli uomini, le mie creazioni sono gli allegri veicoli per diffondere il bella e la gioia nel mondo”.

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Press Release

Opening

ROMERO BRITTO

barbara — Mon, 14 Oct 2013 11:41:53 +0000

                                 Romancism, Romero Britto © 2013

ROMERO BRITTO

a cura di Gloria Porcella e Lamberto Petrecca

dal 20 ottobre al 10 novembre

Uffici Methorios Capital

Palazzo Torlonia – secondo piano

Via Bocca di Leone, 78

00187 Roma

INGRESSO SOLO SU PRENOTAZIONE.SOLO IL SABATO. INVIARE RICHIESTA a info@ca-doro.com

Ha recuperato il senso dell’arte “pop” restituendogli il duplice significato originario: “popolare”, ossia “celebre” e allo stesso tempo “alla portata di tutti”. Il suo stile, inconfondibile, mescola genialità artistica e marketing per colpire contemporaneamente il cuore di critici e profani. I suoi sgargianti ritratti sono ambiti da star, politici e imprenditori di tutto il mondo.

Rinnovando il suo rapporto con la Galleria Ca’ d’Oro, Romero Britto, considerato il più grande artista pop vivente, il 20 ottobre sarà nuovamente a Roma con un’esposizione delle sue più recenti creazioni. La mostra sarà curata da Gloria Porcella e Lamberto Petrecca.

Romero Britto rinuncia all’ermeticità e apre l’arte a una comprensione il più possibile universale. Usa le icone del “villaggio globale” allo scopo di annullare quelle barriere comunicative imposte, loro malgrado, da certi filoni di arte contemporanea. Lui sceglie la strada opposta, quella della pubblicità, accogliendo l’invito a firmare prodotti di largo consumo. Romero Britto crea capolavori contemporanei, applica la creatività ai prodotti commerciali per portare l’arte fuori dai musei e dai circuiti di settore. La sua originale concezione artistica, definita “l’arte della guarigione”, unisce colori brillanti e soggetti vivaci a elementi compositivi del Cubismo, per trasmettere una fede ottimistica e una visione spudoratamente positiva del mondo che lo circonda.

Pittore, scultore e serigrafo, Romero Britto inaugura la sua carriera a New York ma il successo arriva proprio quando incontra il marketing e il mondo della pubblicità. Nel 1989 riceve da Absolut Vodka l’incarico di disegnare un’etichetta della bottiglia per una campagna pubblicitaria. Da allora il tocco eccentrico di Britto è stato richiesto in tutto il mondo dalle grandi società per realizzare murales, sculture, loghi e edizioni speciali di prodotti. Tra le ultime commissioni quelle di società come Disney, Evian, Campari e Ford.

Amato dalle celebrità, l’artista realizza i ritratti di personaggi illustri come Roger Federer, Dustin Hoffman, Arnold Schwarzenegger, Michael Jordan, Gloria Estefan, Andre Agassi, Eileen Guggenheim, David Rockefeller, il senatore Ted Kennedy e altre star del mondo del business, della politica e dello spettacolo. Come massimo riconoscimento del suo lavoro artistico, Romero Britto è stato nominato Ambasciatore delle Arti dello Stato della Florida e nel 2004 la sua “Welcome”, la scultura in alluminio più grande del mondo, è stata esposta nella stazione Dadeland a Miami. Ma la sua produzione va oltre la pittura e la scultura: portano infatti la sua firma anche loghi, mobili e costumi di scena, come quelli indimenticabili realizzati per il 41° Super Bowl.

“La felicità è un dovere morale. Il solo fatto di esistere dovrebbe renderci felici e aiutarci a evitare o minimizzare i problemi e i dolori. Io trasmetto questa mia convinzione con i colori e le forme dei quadri e delle sculture, ma anche attraverso la realizzazione di prodotti d’arte che non sono destinati esclusivamente a collezionisti e amatori dell’arte ma che entrano a far parte della vita quotidiana di tutti, come le borse, le tazze, i libri illustrati e le t-shirt. Se la missione dell’arte è di rendere migliore la vita degli uomini, le mie creazioni sono gli allegri veicoli per diffondere il bello e la gioia nel mondo”, spiega Romero Britto.

Press Release

POPNEWPOP @ MACRO Testaccio

barbara — Thu, 27 Jun 2013 11:22:28 +0000

INAUGURAZIONE