Colori sgargianti di derivazione pop, forme cellulari e metamorfiche: sono i quadri-scultura tridimensionali di Renzo Nucara, che dal 28 giugno presenta alla Galleria Ca’ d’Oro i suoi Stratofilm, opere alle quali l’artista dedica la sua attenzione dall’inizio degli anni duemila.

Esperto sperimentatore di materiali di diversa natura, Nucara fonde nelle sue opere oggetti e colori in un divertente e ludico gioco in bilico tra naturale e artificiale.

Nasce a Crema nel 1955 e attualmente vive e lavora a Bergamo.

Nel 1993 fonda insieme ad altri cinque artisti il movimento Cracking Art Group. Materia d’elezione è la plastica che meglio rappresenta la dicotomia tra naturale e artificiale e che diventa anche un veicolo d’impegno ecologico e sociale. Tra le principali partecipazioni si annovera quella con il gruppo alla 49^ Biennale di Venezia del 2001, con l’installazione S.O.S World, dove più di un migliaio di tartarughe dorate hanno occupato i giardini intorno agli storici padiglioni. Nel 2009, sempre insieme al gruppo, realizza l’installazione di tartarughe blu in occasione del G8 a Siracusa. Nel 2010 gigantesche chiocciole fucsia, parte del Re-Generation Art Project, sono state installate, in occasione della sua personale, durante l’Art Basel di Miami.

La mostra di Renzo Nucara ha il patrocinio non oneroso del Bioparco di Roma dove è attualmente esposto, fruibile da tutti nello spazio dell’ingresso della Struttura, il grande coccodrillo rosso del Cracking Art Group. Altri animali dei Cracking Art Group saranno visibili presso la Galleria Ca’ d’Oro contemporaneamente alle opere ed agli animali di plexiglass di Renzo Nucara.

QUAL E’ IL CONFINE TRA NATURALE E ARTIFICIALE?

Nel modo contemporaneo la distinzione tra queste due componenti tende a cadere, tutto diventa costruibile e dunque artificiale. Il limite tra la dimensione del naturale e quella dell’artificiale era posto dalla tradizione dell’Occidente e dalla sapienza filosofica, che poi era anche sapienza religiosa. Il limite era sostanzialmente una forma di ordine, l’ordinamento necessario del mondo a cui l’agire umano doveva adeguarsi. Con la cultura del nostro tempo affiora invece alla luce l’impossibilità di ogni limite di questo genere e quindi l’impossibilità di un senso definitivo divino del mondo. Questa è la tendenza verso la quale l’uomo contemporaneo si muove. L’arte americana degli ultimi 50 anni si evolve nell’ambiente delle grandi città: da allora prevale l’interesse per le tematiche che riguardano l’uomo visto nella prospettiva dell’ambiente urbano, in rapporto con la tecnologia, il consumismo, la quotidianità. Molti pensano che il nostro tempo si identifichi in queste situazioni, mentre il tema del rapporto con la natura, appare a molti meno coinvolgente. Tuttavia una delle realtà che si pongono con drammatica evidenza davanti ai nostri occhi è la degradazione dell’ambiente naturale, di cui diventiamo sempre più coscienti. Renzo Nucara è tra i sei artisti che nel 1993 ha dato inizio al movimento artistico conosciuto sotto il nome di Cracking Art Group. Definita “arte di rottura”, questa corrente prende le mosse dalla volontà di risvegliare le coscienze umane, attraverso l’utilizzo della plastica, evocando un nuovo rapporto tra elementi naturali e artificiali. Il cracking infatti, altro non è che quel processo di trasformazione che permette al petrolio – che è materia naturale – di trasmutarsi in virgin nafta, materia che costituisce la base per prodotti sintetici come la plastica. Questo materiale dunque, diventa per Nucara, la modalità espressiva prediletta per mettere in atto un forte impegno sociale ed ecologico, attraverso gigantesche installazioni che hanno caratterizzato la riconoscibilità del gruppo: “cracking è il divario dell’uomo contemporaneo, dibattuto tra naturalità originaria e un futuro sempre più artificiale.” Riciclare la plastica significa dunque sottrarla alla distruzione tossica e devastante per l’ambiente, farne delle opere d’arte equivale a comunicare attraverso un linguaggio estetico innovativo ed esprimere una particolare sensibilità nei confronti della natura. Installazioni itineranti di animali di diversa grandezza, come chiocciole, tartarughe, pinguini, delfini – solo per citare alcuni esempi – vengono realizzati esaltando la plastica a materiale artistico, invadendo i luoghi più disparati e spazi sempre più grandi, a diretta testimonianza della salvaguardia della natura, inseriti in un contesto contemporaneo. Alla ricerca artistica del gruppo, si affianca quella individuale di Renzo Nucara il quale, da sempre affascinato dalle creazioni materiche, scopre e sperimenta i materiali più disparati come la resina, oggetti di scarto e pigmenti di vario genere. L’artista realizza così nei primi anni duemila, i suoi Stratofilm, opere tridimensionali e in plexiglass, in cui elementi naturali si combinano a oggetti desunti dalla quotidianità, creando figure metamorfiche e cellulari. Concentrando la sua attenzione sulla dicotomia tra naturale e artificiale, i quadri-scultura di Nucara giocano ironicamente con tanti e diversi materiali, che assumono di volta in volta varie forme, dove il colore esplode, rivestendo così un ruolo fondamentale nella lettura complessiva dell’opera. Le sue installazioni sono indirizzate alla creazione di situazioni necessarie per risvegliare e stimolare l’interesse dell’osservatore. Il ruolo di Nucara è proprio quello di sollecitare lo spettatore a non essere il testimone passivo del degrado ambientale e intellettuale. Osservatore attento e sensibile della realtà che ci circonda, l’artista muove la sua guerra contro la decadenza dei valori, l’incuranza dell’uomo verso la natura e l’individualismo più esasperato. Fonte inesauribile delle sue creazioni, è la voglia incontrollabile di vedere oltre la soglia.

Gloria Porcella

LA SCISSIONE A FREDDO DI RENZO NUCARA

Il 23 marzo 1989 due chimici, l’inglese Martin Fleischmann e l’americano Stanley Pons, convocarono una conferenza stampa presso l’Università di Utah (USA) per comunicare al mondo intero di aver fatto una scoperta che avrebbe cambiato il destino dell’umanità affrancandola definitivamente dalla ricerca di fonti energetiche alternative. I due scienziati in quell’occasione sostennero di essere riusciti a ricavare energia attraverso le stesse reazioni che avvengono all’interno del Sole ma senza dover ricorrere alle alte temperature e pressioni colà esistenti: essi, in altre parole, dichiararono di essere riusciti ad ottenere quella che ormai tutti conoscono come “fusione a freddo”. Renzo Nucara libera energia. Le opere di Renzo Nucara sono delle schegge nucleari che non distruggono nulla ma che anzi fondono e uniscono: gli oggetti, i sensi, i materiali. Non sono schegge impazzite. Sono schegge consapevoli. Dalla scissione degli oggetti – bottoni, caramelle, tappi di bottiglia, portachiavi – si passa alla fusione dei materiali – resine, legno, plexiglass – per poi generare una combustione vulcanica sul piano della memoria e delle emozioni. Ma sempre senza urlare. Senza la prosopopea di voler essere per forza avanguardia certificata. Con allegria, con leggerezza, con il sorriso, con umiltà. E sono le stelle di un nuovo Big Bang che si spandono nell’ Universo e tornano allegre, colorate e gentili verso di noi con una carica in più di gioiosa e infantile innocenza. E sono vulcani eleganti che proiettano eruzioni luminose nel profondo dell’animo e ci portano per mano nell’ infinito futuro. Quanto è lontano Burri con le sue combustioni! Quanto sembra “paleolitico” il Futurismo con le sue aggressioni ipervitalistiche! Naturale-Artificiale; Re-generation Art Project, Cracking-Art, Resin-Film, Strato-Film. Queste le parole chiave del percorso artistico di Renzo Nucara sia come fondatore del Cracking Art Group e sia come singolo Artista. Trasformare, Assemblare, Riciclare, Rigenerare. Dare nuova vita. Alla materia e ai significati. Dare nuova vita alla Vita. In questo senso, allora, possiamo parlare di fusione a freddo. Non certo perché la sua opera sia algida, tutt’altro! Ma solo perché non distrugge nulla e non aggredisce nessuno: trasforma, invece, stratifica e rielabora con discrezione tutto ciò che forma il nostro patrimonio di vita, ricordi, oggetti, colori, la natura e la storia personale di ognuno di noi. Senza fanfare. Con educazione. Alla fine di tutto rimane un primate, una scimmia rossa su sfondo giallo in plexiglass che tiene un pennello in mano e completa il suo personale ritratto di Marilyn Monroe. Quasi fossero passati altri millenni e dagli scavi venisse fuori una nuova Pompei: fossili e frammenti amorosi di una vecchia civiltà. La nostra.

Lamberto Petrecca

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INAUGURAZIONE

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Press Release

Roma, 8 giugno 2012

Miami, 5 agosto 2012

Ha sedotto il mondo dal grande schermo e conquistato un posto d’eccezione nel cuore degli artisti. A cinquant’anni dalla sua morte Marilyn Monroe rimane l’icona femminile per eccellenza e continua a ispirare il mondo dell’arte.

Con una simbolica staffetta Italia-Usa, nelle date che ne segnarono la vita, la Galleria Ca’ d’Oro dedica all’attrice americana la mostra “Marilyn Monroe. Tribute to a female icon”, a cura di Gloria Porcella e Lamberto Petrecca.

C’è la Marilyn a grandezza reale di Seward Johnson immortalata in abito bianco nella sua posa più celebre, quella insolitamente longilinea di Valentina De Martini, una Marilyn nuda immersa nel colore da Pablo Echaurren e quella pop di Ludmilla Radchenko, accanto alle Marilyn in serie di Andy Warhol e a quelle graffiate di Mimmo Rotella. Un omaggio al mito di Marilyn che prende vita in un percorso di 30 opere tra pittura, scultura e fotografia.

L’esposizione farà prima tappa a Roma, a piazza Colonna nello storico Palazzo Wedekind, per poi volare a Miami, Stati Uniti, nella sede della Galleria Ca’ d’Oro a Coral Gables.

Italia e America, dunque, in occasione dell’anniversario della nascita e della morte di Norma Jean Baker, in arte Marilyn Monroe. Il 1 giugno 2012 l’attrice avrebbe compiuto 86 anni, mentre il 5 agosto 2012 si ricordano i cinquant’anni trascorsi dalla sua scomparsa.

Gloria Porcella e Lamberto Petrecca hanno così scelto i mesi di giugno e agosto per la doppia inaugurazione della mostra.

8 GIUGNO – “Marilyn Monroe. Tribute to a female icon” apre negli spazi ottocenteschi di Palazzo Wedekind, in piazza Colonna, con l’arrivo – tra le altre opere – della scultura di Marilyn firmata da Seward Johnson direttamente dalla Croisette di Cannes (dove è stata esposta in occasione della presentazione del film “My week with Marilyn” di Simon Curtis, in uscita nelle sale italiane).

5 AGOSTO – L’esposizione sbarca a Miami, dove sarà ospitata nella sede americana della Galleria Ca’ d’Oro a Coral Gables.

GLI ARTISTI IN MOSTRA

ANDY WARHOL – Il suo volto riprodotto in serie da Warhol negli anni ’60 la divinizza e la rende “popolare”, nell’accezione democratica dell’arte diffusa dalla Factory.

MIMMO ROTELLA – Con i suoi primi decollage Rotella rende omaggio al cinema e ai suoi protagonisti, immancabile la presenza di Marilyn nelle immagini di manifesti lacerati e rivitalizzati dagli “strappi” dell’artista.

SEWARD JOHNSON – Tra i più originali artisti del nostro tempo, è celebre per le sue sculture realistiche in bronzo a dimensione naturali che ritraggono personaggi assorti nelle attività quotidiane. Di grande impatto visivo, le sue opere annoverano anche una Marilyn Monroe immortalata nella sua posa più famosa.

PABLO ECHAURREN – Nella sua ricerca pittorica convergono diverse istanze: l’attenzione per il segno miniaturizzato, il riferimento al fumetto, l’universo naturale, zoologico e botanico. In mostra espone una Marilyn nuda, immersa nell’esplosione di colori che contraddistingue la sua cifra stilistica.

RENZO NUCARA – Fondatore nel 1993 del Cracking Art Group, per le sue opere sceglie la plastica come veicolo di impegno ecologico e sociale. Alle installazioni con il collettivo affianca la sua ricerca sui Resinfilm, stratificazioni di resine, pigmenti e oggetti naturali e artificiali, che diventano matrice dei più recenti Stratofilm.

ERIKA CALESINI – Attratta dalla valenza espressiva della materia, realizza opere utilizzando materiali di scarto, sottraendoli all’inglorioso destino della discarica. Per riflettere sul valore degli oggetti e su quella parte di essi che appartiene indissolubilmente al nostro vissuto.

VALENTINA DE MARTINI – Stilista di talento e pittrice, ha dedicato molti suoi lavori all’eleganza e allo charme: caratteristiche che è impossibile non accostare a Marilyn Monroe. La sua, insolitamente filiforme, è avvolta in una abito rosso fuoco.

CAMILLA ANCILOTTO – Totem mutanti che si trasformano in una metamorfosi continua di colori e parvenze sono le opere di Camilla Ancilotto. Per l’artista romana l’arte è gioco e infinita possibilità di rappresentazione.

MONICA CASALI – Reduce da una recente mostra presso la galleria Ca’ d’Oro di Miami, espone una Marylin sorridente, luminosa e colorata, in puro Warhol Style.

CRISTIANO CASCELLI – Acuto ritrattista, immortala i suoi personaggi in chiave Pop utilizzando tecniche miste che mettono in luce le sue spiccati doti artigianali.

FLORENCE FABRE – La sua arte passa attraverso l’obiettivo della macchina fotografica per restituire ritratti scomposti in frammenti, schegge di foto, che l’artista ricompone per offrire un nuovo punto di vista e nuova identità ai soggetti.

FABIO FERRONE VIOLA- Assolutamente Pop nella resa di status symbols e icone dell’universo americano mediante l’originale utilizzo di lattine.

LEONARDO HIDALGO – Nato in Ecuador, vive e lavora negli Stati Uniti, dove è considerato tra i più sensibili ritrattisti del nostro tempo. Abile nel districarsi tra innumerevoli tecniche, ritrae i personaggi dello star system con colori vibranti.

MASSIMO LUPOLI – Estrapola i simboli del vivere quotidiano dal loro contesto, ricollocandoli in una nuova ambientazione con nuovi significati. L’opera è costituita da una fotografia sovraimpressa su una distesa di pennelli da pittore.

FLAVIA MANTOVAN – Le icone del nostro tempo sono le protagoniste delle sue opere. Personaggi i cui volti quasi si liquefanno sotto il colore che cola, simboleggiando il disfacimento cui tutti siamo destinati.

DARIA PALADINO – La sua formazione passa per Roma e Parigi e nel 2011 la porta fino alla 54esima Biennale di Venezia al Padiglione Lazio. La sua ricerca artistica si concentra sul ritratto.

LUDMILLA RADCHENKO – Riconducibile alla corrente del PopRealism, nelle sue opere elaborati digitali, quali foto e scansioni, si sposano con una pittura spiccatamente materica, dando vita a ritratti e a icone della vita contemporanea.

MARCELLO REBOANI – Il genere del ritratto costituisce il leitmotiv della sua ricerca artistica. Racconta la nostra contemporaneità in una carrellata di volti noti o anonimi, che costruiscono la sua indagine sulla natura umana.

FABIANA ROSCIOLI – Pittrice e fotografa di grande rilievo, interpreta la bellezza di Marilyn in una successione di immagini raffiguranti donne nude.

SASHA TORRISI – L’eclettico Sasha, pittore e musicista (è stato il cantante e chitarrista dei Timoria), utilizza una tecnica votata alla Pop Art rendendo perfetti personaggi e particolari, tanto da farli apparire in una dimensione asettica, levigata, fluorescente, oltre la realtà fisica delle cose.

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