In concomitanza con la ricorrenza del Natale di Roma del 21 aprile, viene presentata una Rassegna che unisce i lavori di tre artisti che, da diverse angolature, ritraggono Roma, i personaggi che la affollano e gli stati d’animo che questa città suscita.

Sigfrido Oliva – messinese di nascita ma romano d’adozione – è ormai uno dei maestri riconosciuti della pittura paesaggistica del secondo ’900. Formatosi insieme ai vari Caruso, Maccari, Vespignani e agli altri esponenti di quel fecondo periodo artistico degli anni sessanta, Oliva si è ritagliato uno spazio tutto suo in cui le raffigurazioni romane paiono avvolte da un velo enigmatico di bruma che lascia trasparire i sommovimenti dell’anima al cospetto dei paesaggi eterni di Roma.

Enrico Di Nicolantonio è un giovane artista – già noto sia in Italia che negli U.S.A. – che ha forgiato uno stile particolarissimo. Esegue ritratti di personaggi famosi avviluppati da una lastra di materiale plastico che viene poi bruciato e plasmato, dando così all’opera una valenza nuova e tridimensionale. Senz’altro rimbalzano, nei riquadri di Di Nicolantonio, le famose “combustioni” di Burri ma con un motivo del tutto nuovo: i ritratti di sfondo. Burri infatti lavorava sull’astratto. Invece Di Nicolantonio rende plastici e combusti personaggi e città. E’ la realtà nella sua forma più rappresentativa – i ritratti, appunto, insieme alla città per elezione, Roma – che si mostra e diventa bruciata, combusta. I soggetti preselti, quindi, vanno dal Colosseo al Campidoglio fino a quei personaggi che comunque hanno stretto un legame. E così accanto ai più famosi monumenti di Roma troviamo i ritratti del maestro Riccardo Muti e di Maria Callas, di Sofia Loren e Renato Balestra.

Barbara Bouchet - presente con una sua opera alla prossima Biennale di Venezia 2013, da sempre dedita alla pittura ma dichiaratasi apertamente solo dopo aver lasciato le precedenti attività. Con discrezione e umiltà presenta opere prevalentemente astratte dominate da colori accesi, carichi di rossi vulcanici e azzurri ultramarini che inevitabilmente evocano il rapporto con la terra. Storie di vita vissuta, lo sguardo nordico colpito dalla luce di Roma e infine il mito del viaggiatore che viene da lontano e che approda nel paese del sole e della storia.

La rassegna è curata da Gloria Porcella e Lamberto Petrecca.

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A NIGHT OF ART FEATURING

TUTU‘ by EWA BATHELIER

THURSDAY 14th MARCH

6.30 pm to 8.30 pm

GRACE BELGRAVIA

11c WEST HALKIN STREET

LONDON SW1X 8JL

Roma – Nel prestigioso Salone del Coro dell’ Auditorium Conciliazione di Roma viene presentata una rassegna collettiva di opere dedicate a Giuseppe Verdi  dal 9 al 22 marzo 2013.

Le Opere di ben 31 Artisti – sia italiani che stranieri – formeranno la Mostra collettiva dal titolo “Omaggio a Verdi”  ideata e curata da Gloria Porcella e Lamberto Petrecca per celebrare il 200° anniversario della nascita del genio bussetano.

Oltre che essere il maggior compositore italiano, Giuseppe Verdi ha nella storia d’Italia un’importanza particolare. Senz’altro il periodo storico in cui visse ed operò – il Risorgimento – ha contribuito a far di lui un emblema dell’orgoglio e del risveglio nazionale sia dal punto di vista culturale che politico.

L’influenza che Verdi ha avuto nella storia e nella cultura dell’Italia ne ha fatto il cantore, appunto, dello spirito italiano. Un gigante, un patrimonio nazionale. Appartenente a tutti.

Molti gli Artisti contemporanei che si sono ispirati a Verdi, al suo mondo o alle sue opere;  e in questa grande rassegna collettiva verranno esposte le Opere di: ROMERO BRITTO, FRANCESCA LEONE, AGOSTINO MURATORI, CAMILLA ANCILOTTO, RINALDO GELENG, ANGELO COLAGROSSI, ERIKA CALESINI,  FABIO FERRONE VIOLA, ALFREDO RAPETTI MOGOL, FLAVIA MANTOVAN, SIGFRIDO OLIVA, IREM INCEDAYI, ENRICO DI NICOLANTONIO,  MIRKO PAGLIACCI, GIULIANO GRITTINI, FRANCESCA BONANNI, VALENTINA DE MARTINI, FABIANA ROSCIOLI, MONICA CASALI, SASHA TORRISI, PAOLO GIORGI, DANIELA PASTI AUGIAS, LUDMILLA RADCHENKO, MARCELLO REBOANI, ALESSANDRO SANSONI, MASSIMO SANSAVINI, KAREN THOMAS, MASSIMO LUPOLI, GLORIA SESANA, MOJMIR JEZEK e JEAN PIERRE DURIEZ.

Il 2013 oltre ad essere il 200° anniversario della nascita di Giuseppe Verdi è anche l’ Anno della Cultura Italiana negli U.S.A. e così l’esposizione farà tappa prima a Roma, all’ Auditorium Conciliazione, per poi volare a Miami, Stati Uniti, nella sede della Galleria Ca’ d’Oro a Coral Gables.

Italia e America unite, dunque, per rendere omaggio a uno dei massimi esponenti della cultura italiana così apprezzata in tutto il mondo e per rilanciare – con le Opere di 31 Artisti contemporanei – la vitalità di un Paese da sempre egemone nel campo dell’Arte e della Musica.

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ALLESTIMENTO

OPENING

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Roma – Dal 12 al 17 febbraio la Galleria Ca’ d’Oro in collaborazione con il nuovo Concept Garage ENGLAND STAR presenta la Première italiana di Leonardo Hidalgo in occasione dell’apertura del nuovo spazio di via Siacci.

Dopo Romero Britto arriva nella Capitale un altro artista latinoamericano. Si rinnova così il rapporto tra le città di Roma e Miami iniziato nel 2010 con l’apertura della sede americana della Galleria Ca’ d’Oro durante l’Art Basel.

I colori vibranti, la mescolanza di diversi media, la varietà di soggetti, sono alla base del successo di questo artista neo-pop di origine ecuadoriana inserito nel novero dei più importanti artisti americani degli ultimi anni e le cui opere sono già presenti in  importanti collezioni private di tutto il mondo. Per la prima volta in Italia saranno esposti alcuni ritratti e parte della produzione ispirata al fumetto. Le opere hanno un impatto immediato,

Leonardo Hidalgo:

Di origine ecuadoriana Leonardo Hidalgo risiede stabilmente negli Stati Uniti dal 1990. Ha frequentato l’ASU Tempe in Arizona e successivamente il Fort Lauderdale Art Institute. Da allora ha trascorso il suo tempo viaggiando tra Europa, Asia e Sud America dove ha coltivato e affinato la sua abilità. Ha iniziato a dipingere fin da piccolo sotto la guida di sua nonna che l’ha introdotto agli aspetti tecnici della pittura e del disegno. Fonte di ispirazione sono per lui la musica, la cultura giapponese, le donne, la storia e i grandi personaggi che hanno cambiato il mondo.

Ha ricevuto commissioni da istituzioni pubbliche e soggetti privati tra cui Marc Anthony, Alejandro Sanz, Hillary Clinton, Janine Howard, Enrique Iglesias, Dan Marino, The Convention Center of Guayaquil, The Jade Miami of Fortune International, The US Open Polo. E’ stato artista ufficiale del Supercar Experience e artista officiale del 116mo anniversario della Città di Miami.

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Leonardo Hidalgo Vernissage Roma

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ROMA - E’ opinione diffusa che le reazioni suscitate dalla visione di un quadro siano estremamente soggettive, legate al proprio modo di essere, al proprio vissuto o comunque a qualcosa di estremamente personale. Tali reazioni possono essere però condivise, o più semplicemente comuni a più persone, perché stimolate da opere ispirate, nella loro genesi, dai nuovi impulsi e stimoli della società contemporanea.

I quadri di Sasha Torrisi si inseriscono in questo filone, quello dell’arte pop, nella sua accezione di arte “di massa”. La loro essenzialità e schematismo ricordano il fumetto e le creazioni di Roy Lichtenstein, i loro colori decisi, forti, luminescenti, fanno pensare ai ritratti di Andy Warhol e, più vicino a noi, alle invenzioni luministiche di Marco Lodola.

Artista a tutto tondo, poliedrico, i suoi interessi e le sue esperienze spaziano dalla musica, con l’importante esperienza nei Timoria come cantante e chitarrista, alla pittura, con la frequentazione della Factory di Marco Lodola a Pavia da cui ha avuto inizio la sua carriera di artista. Appassionato di viaggi, lascia sempre traccia dei suoi “incontri” all’interno delle sue creazioni iconiche, fluorescenti, stese su un supporto particolare, in cotone extrafine, molto leggero, levigato, scelto perché garanzia di una migliore resa di quei particolari cui Torrisi presta maggiore attenzione.

La Galleria Ca’ d’Oro negli ultimi anni ha perseguito  l’obiettivo di promuovere artisti capaci, con la loro arte, di arrivare alla gente in modo diretto, senza filtri o intellettualismi di sorta. Le tele di Torrisi si collocano sulla stessa linea di Romero Britto, Erika Calesini, Cracking Art Group, Alfredo Rapetti Mogol, per il loro forte impatto estetico e per rispecchiare il concetto di Arte che ha abbracciato la Galleria, veicolo di comunicazione, di trasmissione di quei contenuti che nella percezione immediata dell’opera anticipano quelli tecnico artistici in senso stretto.

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OPENING

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]]> http://www.ca-doro.com/roma/it/?feed=rss2&p=2092 0 http://www.ca-doro.com/roma/it/?p=2073 http://www.ca-doro.com/roma/it/?p=2073#comments Tue, 08 Jan 2013 11:29:14 +0000 barbara http://www.ca-doro.com/roma/it/?p=2073

Chi ritiene che la pittura di paesaggio sia esclusiva del Romanticismo probabilmente si sbaglia. Nel Settecento, i vedutisti veneziani si occuparono di rappresentare scorci della città e della sua vita quotidiana con la precisione del cronista. Da grande studioso e osservatore della realtà, Agostino Muratori pone lo spettatore di fronte a liriche consolanti e a godimenti spirituali in una più complessa e articolata visione delle cose.

Senza illusioni Muratori “costruisce” il quadro raggiungendo equilibrio e armonia nelle sue vedute paesaggistiche: descrive con grande realismo l’immagine della memoria collettiva, che viene rivisitata con gusto miniaturistico e affiancata senza soluzione di continuità a episodi della storia nazionale e mondiale. Pare di ritrovare all’interno delle opere dell’artista l’inquietudine e la continua voglia di indagare il paesaggio, di conoscere e rinnovarsi. Le vedute, animate da un intimo legame con le città dipinte e dunque con le “storie dipinte”, modificano la percezione dello spazio di una galleria che, quasi a voler fare un balzo indietro nel tempo, assume le sembianze di un cabinet d’amateur di qualche secolo fa. In questo risiede il fascino di una mostra di Agostino Muratori, in cui gli insoliti supporti scelti per la realizzazione delle opere, da vecchie ante di legno a timoni di barche, completano il senso di piacevole godimento dell’opera. L’atmosfera che si respira ammirando un’opera di Muratori, rende inoltre vive le vedute di Roma, delle sue piazze celebri e dei luoghi più appartati. La sua pittura, oltre a descrivere luoghi della capitale, in cui arte e natura assumono dimensioni monumentali, ricrea per trapassi di luce e per accostamenti cromatici, allusioni atmosferiche e ripropone lo stesso stato d’animo prodotto dall’impatto reale con la città, con la sua gente, con il suo ambiente naturale, con i suoi documenti di cultura e di storia.

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“Diva and Jewels. A qualcuno piace Chantecler.”:

quando l’arte contemporanea incontra l’arte orafa

Dal 24 al 26 Novembre 2012 la Galleria Ca D’Oro ospita una Mostra unica, che coniuga arte contemporanea e arte orafa.

Nata dall’incontro di due realtà creative e originali, il famoso marchio di gioielli Chantecler e l’artista Enrico Di Nicolantonio, la mostra “Diva and Jewels – A qualcuno piace Chantecler” ospiterà quadri d’autore e gioielli sensazionali e sarà un vero e proprio tributo alle Dive di sempre, un omaggio alle donne-icona del passato e del presente, alle principali protagoniste della nostra epoca, al loro fascino, alla loro bellezza, alla loro sensualità.

L’incontro non è casuale.

Chantecler, storico marchio di gioielleria caprese, da oltre 60 anni conquista con le sue incantevoli creazioni il cuore delle donne più belle e affascinanti del mondo. Vere Dive, come Jacqueline Kennedy Onassis, Ingrid Bergman, Grace Kelly, Audrey Hepburn, Greta Garbo, Joan Crawford. E ancora principesse, imprenditrici, donne della politica e della cultura.

Enrico Di Nicolantonio è il geniale autore di opere d’arte che ritraggono le grandi dive della Dolce Vita e quelle contemporanee con una tecnica innovativa e unica. Una delle sue opere, Il Diamante di Marylin, creata dall’artista per i cinquant’anni dalla morte di Marylin Monroe,  è stata scelta per essere esposta nell’unica mostra organizzata a Miami per l’anniversario della morte dell’attrice.

La Mostra sarà un vero e proprio spettacolo visivo: da una parte i ritratti originalissimi delle dive di Di Nicolantonio (Angelina Joilie, Brigitte Bardot, Marylin Monroe, Maria Callas, Sofia Loren, Naomi Campbell, Kate Moss, solo per citarne alcune), dall’altra le insuperabili creazioni della maison caprese, vere opere d’arte orafa.

La mostra si sviluppa in un’alternanza di emozionanti tele e preziosi gioielli, in un percorso intrigante e in una calda atmosfera caprese.  Un evento singolare, che contribuisce a esaltare la fantasia e la creatività Made in Italy.

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M O S T R A  P E R S O N A L E

Camilla Ancilotto

IN FIERI

Inaugurazione: Mercoledì 7 Novembre 2012 – ore 17.00

Camera dei Deputati – Complesso di Vicolo Valdina

Vicolo Valdina 3/a ROMA

dall’8 al 15 Novembre 2012

Orario: 10.00 -18.00 (chiuso il sabato e la domenica)

Mobile connubio tra Pittura e Scultura. Dieci olii su legno di grande formato realizzati tra il 2011 e il 2012 raccolti nell’esposizione dell’artista romana Camilla Ancilotto dal titolo “In Fieri” che inaugura Mercoledì 7 Novembre 2012 alle ore 17.00 a Roma, presso la sede del Complesso di Vicolo Valdina della Camera dei Deputati. La mostra – dall’8 al 15 Novembre – è promossa dalla Regione Lazio e da Roma Capitale con il patrocinio del Ministero per i Beni e le Attività Culturali e dell’Ambasciata di Svezia - ed è curata da Gloria Porcella e Lamberto Petrecca.   Reduce dalla personale tenuta nella prestigiosa cornice del Chiostro del Bramante a Roma e dalla partecipazione alla rassegna internazionale Art Basel Miami, la pittrice approda alla Camera dei Deputati con opere che testimoniano uno sviluppo ulteriore della sua riflessione artistica, vòlta a sondare il rapporto tra uomo e natura. Tale ricerca prende l’avvio negli anni Novanta da quesiti etico-filosofici relativi al vertiginoso sviluppo delle biotecnologie nel corso del XX secolo, in particolar modo nel campo dell’ingegneria genetica. La mostra attuale è invece occasione per presentare gli esiti più recenti della sua ricerca, indagine che l’ha portata a soffermarsi maggiormente sugli aspetti formali della tecnica pittorica. Nelle creazioni dell’artista romana, l’essere umano, la flora e la fauna, associati ai quattro elementi che compongono l’universo, si fondono in una compenetrazione simbiotica. I lavori, in una felice sinergia tra arte e gioco, sono elaborati in modo da far interagire fisicamente i fruitori: i solidi a base triangolare che compongono le opere sono assemblati su una struttura di barre d’acciaio che permette ai prismi di ruotare sul proprio asse; il pubblico è chiamato a girare le superfici variamente dipinte dei solidi, restituendo nuove figurazioni, “mirabili difformità” in cui i personaggi mutano in animali terrestri, acquatici e volatili. Il carattere “instabile” delle opere, in perenne trasformazione – aspetto che costituisce la cifra stilistica dell’arte della Ancilotto – trova efficace sintesi nel titolo della mostra, In fieri, locuzione che allude sia alla transitorietà delle forme che alle potenzialità insite nel processo del divenire.   L’aspetto artigianale che connota le realizzazioni della pittrice romana è tratto distintivo del suo operare artistico: attraverso una chiave di lettura del tutto personale e moderna, la Ancilotto affronta alcuni “baluardi” della storia dell’arte occidentale quali Angelica e l’eremita e il Ratto delle Sabine di Rubens, Io e Giove di Correggio, Leda e il cigno di Michelangelo, Venere e cupido nelle versioni del  Pontormo e del Bronzino – opere che costituiscono il background culturale e figurativo più noto e popolare della nostra civiltà artistica – al fine di recuperare la tecnica ad olio tradizionale, accademica, sviluppata dagli old masters europei nel XVI e XVII secolo. Tra le opere in mostra, accomunate da un evidente fil rouge, fa eccezione la peculiare raffigurazione della Dea Kalì, la Distruttrice della triade indù, unica rappresentante, tra plurime presenze muliebri tratte dalla mitologia greco-romana, della sfera religiosa orientale.   Ponendosi dunque nella lunga e feconda scia di quei fermenti artistici iniziati in Italia negli anni Ottanta del secolo scorso interessati a recuperare la figuratività nella pittura, la Ancilotto, attingendo sistematicamente al vasto repertorio della grande arte del passato, supera il mero citazionismo e “affonda” nel processo creativo di tali capolavori, analizzandone i valori formali, cromatici e luministici.    In continuo dialogo con la tradizione, i lavori di Camilla Ancilotto perseguono il duplice intento di invitarci a riscoprire – nell’era della digitalizzazione e delle realtà virtuali – l’importanza della manualità nel processo creativo artistico e di indurci a riflettere sul concetto di “armonia”, principio etico ed estetico verso cui tendere sempre, idea sublime che la pittrice romana esprime attraverso l’equilibrio esibito nella resa formale dei suoi dipinti e contenuto nel soggetto costante delle sue opere: la vagheggiata osmosi tra mondo umano, vegetale ed animale. Indicative in tal senso le parole dell’artista: «Ciò che più mi affascina dei capolavori dell’arte è la costante contemporaneità e validità del loro linguaggio, da sempre veicoli di un’armonia coincidente con quell’universale “senso del Bello” che trascende le periodizzazioni dell’arte».

Camilla Ancilotto nasce a Roma nel 1970. La passione per l’arte la porta presto ad approfondire studi specifici in campo artistico: nei primi anni Novanta frequenta l’Istituto Europeo di Design e la Scuola delle Arti Ornamentali San Giacomo a Roma e, contemporaneamente, inizia a prendere parte ai fermenti espressivi della Capitale partecipando a diverse mostre collettive. Prosegue la sua formazione a New York dove si trasferisce nel 1997; dopo aver conseguito il diploma di Master in Fine Art presso la New York Academy of Art, la Ancilotto ha occasione di aprirsi alla scena artistica americana che le offre negli anni molteplici opportunità di lavoro, esponendo – tra il 1998 e il 2012 – in mostre personali e collettive nelle città di New York, Los Angeles e Miami. Nel 2001 torna nella sua città natale, dove attualmente vive e lavora. Tra le esposizioni più significative si segnalano la personale allestita presso il Chiostro del Bramante a Roma (2010), la partecipazione alla rassegna internazionale Art Basel Miami (2011) e la sua quinta mostra personale tenuta presso il Miami Dade College Freedom Tower Museum di Miami (2012).

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INAUGURAZIONE

Dal 25 settembre fino al 14 ottobre, la suggestiva cornice di Palazzo Torlonia ospita la doppia personale di Francesca Bonanni e Mirko Pagliacci. La Galleria Ca’ D’ Oro presenta per questa occasione due artisti molto vicini tra loro ma con differenti stili pittorici. Il titolo della mostra evidenzia sia le assonanze tematiche tra i soggetti delle opere dei due artisti, sia le loro ascendenze cinquecentesche, rivisitate in chiave contemporanea. Due artisti di grande intensità pittorica che il pubblico avrà il piacere di conoscere: miti, angeli e demoni si liberano nelle tele di questi due artisti dalle forti capacità stilistiche e tecniche.

Francesca Bonanni è nata a Roma nel 1969, vive e lavora tra Roma e Milano. Nel 1991 si è diplomata presso l’Accademia di Belle Arti di Roma. Artista costantemente alla ricerca di una dimensione moderna ed innovativa, esprime in un unico linguaggio il rinnovamento della classicità con echi e spazialità metafisiche. Attiva come pittrice dal 1990, ha esposto in diverse mostre in Italia e all’estero.

Mirko Pagliacci nasce a Losanna (Svizzera) nel 1959 e si trasferisce in seguito a Roma dove si diploma al Liceo Artistico. Esponente di spicco, insieme a Nico Paladini, nella costituzione del movimento denominato Metropolismo, fondato nel 1987 e allargatosi poi con la successiva adesione di altri artisti e con l’elaborazione critica e teorica di Achille Bonito Oliva ed Omar Calabrese.

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FRANCESCA BONANNI

MIRKO PAGLIACCI

VERNISSAGE

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Roma – Il 19 settembre la Galleria Ca’ d’Oro presenta la personale di Alfredo Rapetti Mogol, artista milanese, figlio del grande Mogol, di cui il pubblico avrà il piacere di ammirare l’ultima produzione pittorica.

Artista dotato di una sensibilità e di un eclettismo eccezionali, Rapetti Mogol ama e si nutre da sempre di poesia, musica e letteratura. La mostra offre l’occasione di riflettere sul ruolo stesso dell’arte e della parola nell’arte, non offre risposte, ma dà input per cercarle, come un’opera aperta che si fa occasione per il pensiero. La pittura di Rapetti Mogol si estende su superfici minimali e di grandi dimensioni, dove la calligrafia riveste dunque un ruolo preponderante. L’amore per la scrittura e la fusione di essa nella pittura non deriva solo dalle naturali ascendenze ambientali ma da una poetica autonoma che trova nel “segno” il suo codice aureo.La scrittura perde in tal modo la sua funzione di portatrice di senso già definito e acquista senso di per sé. Nelle tele di Alfredo Rapetti Mogol, la scrittura assume la delicata missione di toccare le corde dell’anima senza per forza rimandare ad altro.

Numerose sono state le mostre personali e collettive che lo hanno visto protagonista. Il suo curriculum annovera mostre alla Fondazione KMG di Berlino; alla Fondazione Ideazione di Roma; Grand Palais di Parigi; MAR’S di Mosca; Palazzo Strozzi a Firenze; Museo Permanente di Milano; Biennale di Venezia.

La parola per Alfredo Rapetti è la costante che rappresenta l’umanità intera, nelle sue tele scrittura e pittura attingono l’una dal patrimonio espressivo dell’altra pur mantenendo ciascuna la propria autonomia. La parola diviene immagine, ma un’immagine indefinita che si estende su superfici minimali ed equilibrate. Il valore dell’opera di Rapetti è il risultato di un’intima espressività formale e allo stesso tempo di una profonda sensibilità pittorica, che investe ogni elemento presente nella sua ricerca.

La sua pittura semplice, diretta e spontanea rispecchia la sua personalità sensibile da scrittore e compositore musicale. Rapetti comunica con estrema sincerità le sue più profonde emozioni, con una modalità che unisce l’immagine della scrittura, realizzata con la tecnica a punta secca, alla superficie della tela. La calligrafia nelle opere di Rapetti fa da padrona e i colori delle tele rafforzano l’immediatezza del suo linguaggio, così diretto e forte da abbracciare qualsiasi tipo di pubblico. Non è dato spiegare il contenuto delle parole che invadono le tele, il significato è intrinseco alla pittura e il risultato formale e visivo è vincente.

Le tele di Alfredo Rapetti sono vitali, in quanto parlano da sole del mondo, senza ulteriori spiegazioni, senza orpelli.

Gloria Porcella, curatrice

A prima vista, ciò che colpisce di più l’attenzione di uno spettatore di fronte a un quadro di Alfredo Rapetti Mogol è la fusione dei due elementi molto importanti della sua storia, personale e artistica: la scrittura di testi per la musica e la pittura.

Infatti è vero che il padre di Alfredo sia il celebre Mogol autore dei testi di tutti i più grandi successi di Lucio Battisti. Ancor prima si scopre che il nonno paterno – Mariano Rapetti – fosse il paroliere di canzoni all’epoca famosissime come Vecchio scarpone e Le colline sono in fiore.

E lui stesso, Alfredo, nel 1983 è diventato paroliere – usando lo pseudonimo Cheope – con la canzone Il chitarrista, cantata da Ivan Graziani. In seguito ha scritto canzoni per Gianni e Marcella Bella, ha composto numerose canzoni di Raf (Il battito animale, Due). Nel 1994 inizia la collaborazione con Laura Pausini, per la quale ha composto Strani amori (classificatasi al terzo posto al Festival di Sanremo 1994), Incancellabile e E ritorno da te. Oltre ad aver composto canzoni, tra gli altri, anche per Adriano Celentano, Mina e Carlos Santana.

Accanto a queste radici sono ben presenti anche quelle deI nonno materno, Alfredo De Pedrini, Presidente dell’Associazione Arti Grafiche, dal quale viene introdotto nell’ambiente artistico milanese e grazie al quale arriva a maturare la passione per la pittura. Frequenta lo studio degli artisti Alessandro Algardi e Mario Arlati con i quali condivide il lavoro di ricerca pittorica. Arriva così a maturare l’esigenza di coniugare le sue due più grandi passioni: la scrittura e la pittura. La scrittura diventa una proiezione visiva degli stati mentali e interiori. Grazie ad una tecnica particolare, detta impuntura, l’azione del dipingere si fonde così con l’atto dello scrivere e le parole iniziano ad essere segnate non solamente su fogli ma anche nelle tele.

Tuttavia andando più a fondo si scopre che l’amore per la scrittura e la fusione di essa nella pittura non deriva solo dalle naturali ascendenze ambientali ma da una poetica autonoma che trova nel “segno” il suo codice aureo.

La scrittura perde in tal modo la sua funzione di portatrice di senso già definito e acquista senso di per sé. Nelle tele di Alfredo Rapetti Mogol, la scrittura assume la delicata missione di toccare le corde dell’anima senza per forza rimandare ad altro.

La scrittura diventa da segno semantico, segno estetico: pittogrammi godibili di per sé. Senza scomodare De Saussure potremmo dire che il significante si fa significato. Di più: si fa Arte.

Lamberto Petrecca, curatore

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