Presso la sede della Fondazione Ideazione, dal 5 al 21 maggio le opere dell’artista di Taiwan, Long Bin Chen e di Alfredo Rapetti saranno messe a confronto. Il progetto unisce, per la prima volta a Roma, l’arte di Chen, ispirata a una sapiente lavorazione scultorea della carta e la minuziosa scrittura grafica, luminescente e avanguardistica di Rapetti. Arte e culture a confronto, in un’iniziativa che si pone come emblematica nello scambio aggiornato e continuo fra nuove tendenze e nuove forme di espressione tra est e ovest.

Da Roma, la mostra sarà trasferita a Milano nella prestigiosa sede espositiva “Spazio 30″ a partire dal 26 maggio.

LONG BIN CHEN

Ho incontrato Long Bin a Los Angeles, in un’occasione del tutto casuale e fortuita. Seppi subito si trattava di un noto artista cinese, che viveva a metà tra New York e Taipei, sua città natale e, una curiosità, notai in lui un atteggiamento di continua sorpresa, verso le cose, lui che munito di fotocamera digitale di altissima tecnologia, e di un’ottima pronuncia inglese, continuamente in viaggio, poteva essere per me un giocatore di borsa o un economista. Proprio la vivacità del suo sguardo tradiva, e oggi ne ho conferma, la sua intelligenza e il suo estro di scultore che, perfettamente inserito nei sistemi del mercato internazionale, concepisce la sua arte un capitolo della millenaria tradizione artigianale cinese. Le sue splendide ” sculture da leggere ” sono infatti intarsi, sinuose forme che emergono da blocchi di carta, vere e proprie colonne, di libri, riviste o magazines, modellati con un’abilità da ceramista, in cui non rinuncia al dettaglio, quasi iperrealista, la sua arte , seppur non distaccandosi da un concetto pop dell’arte, volge completamente in direzione opposta, per la filosofia di cui è portavoce.                                                                                        Implicita nella sua genesi è infatti una forte critica al mondo occidentale e all’impazienza con cui le “cose” vengono ridotte a spazzatura; nessun compiacimento estetico tratto da tale velocità di consumo, ma piuttosto il recupero di una lentezza del gesto e della fruizione. Questa operazione artistica è in effetti quella di un ecologista impegnato, iscritto al movimento internazionale di Green, e per il quale è fondamentale il rigenerare, distinto dal semplice ripristinare, un nuovo mezzo culturale, utilizzando proprio “oggetti” che sono per eccellenza veicoli di cultura, i libri appunto.                                                                                                                                                                                                                                                                          Operazione intelligentissima e sicuramente valida su un piano etico, che aldilà delle simbologie ipersfruttate di “arte per l’ambiente”, guadagna all’arte stessa una nuova dimensione per cui oggi, più che mai, può essere mezzo di comunicazione sociale.

ALFREDO RAPETTI

Credo nell’autonomia di linguaggio dell’arte. Mi spiego meglio. Ogni opera che presuma di chiamarsi “arte” deve da sola, autonomamente, poter comunicare l’emozione che intende esprimere. Contenere cioè in sé la capacità di trasmettere il proprio messaggio, senza l’ausilio di informazioni supplementari o sussidiare, estranee al puro processo creativo. Quando guardo un’opera per la prima volta, istintivamente non sono interessato a conoscere il nome dell’autore, la sua età, il suo percorso artistico o le sue tendenze sessuali, ma concentrato solamente a “sentire” quello che il risultato del suo lavoro “sconosciuto” mi comunica. E’ in questa autonomia di espressione dell’opera d’arte che riconosco il valore e la funzione dell’artista. E solo se dopo questo “passaggio” sono entrato intimamente in una comunione emotiva con il lavoro dell’autore, solo allora, desidero conoscerlo più a fondo, studiarne ogni aspetto, incantato dalla sua capacità di stupirmi o di commuovermi. Esattamente come succede tra le persone. Questa è l’arte che sento più vicina. L’arte che non viene negata a chi non abbia conoscenze specifiche ma solo a chi non possiede, o meglio, non vuole impiegare la sensibilità necessaria, per comprenderla. Un’arte che da migliaia di anni ha la capacità di rinnovare l’emozione in chi la guarda al di là del tempo e dello spazio, della cultura, delle ideologie o dei codici interpretativi di un presente passeggero. Un’arte la cui preoccupazione principale è la comunicazione di un’estetica dei valori. Un’arte che porta notizie da un mondo ad un altro in modo originale e costruttivo, attraverso un solo linguaggio, un solo codice comune a tutti: quello dei sentimenti. Il mio tentativo, come dice il mio amico Nicolò in una sua bellissima canzone, è quello di cercare di esserne degno.

Alfredo Rapetti

Press Release

Le sculture di Johnson sono figurative, ma sono soprattutto innovative e modernissime per caratteristiche tecniche.

Sono bronzi realizzati nella fonderia di Mercerville con procedimenti assai complessi, con l’impiego di circa settanta persone nel corso delle varie fasi preparative.

… queste statue dal formato e dalle foltezze sorprendentemente umane che vorrebbero mischiarsi a noi, vivere negli stessi luoghi che noi frequentiamo.

Giorgio Di Genova ha giustamente sottolineato la naturalitas del popolo bronzeo di Johnson, evidenziando l’immediatezza comunicativa dei “Replicanti”; svilupperei ulteriormente l’argomento osservando che l’aspetto delle statue è senza dubbio “naturalissimo ” anche se ci sorprende la tecnica usata per la sua artificiosità, quasi che si trattasse di materiali e procedimenti che vengono dal futuro piuttosto che dal presente.

In questa ambigua, sottilmente contraddittoria dialettica tra natura e artificio è contenuta molta dell’efficacia dei Replicanti: subito ci attraggono perché sono fatti esattamente come noi, hanno le nostre stesse pose, ci invitano ad instaurare con loro rapporti confidenziali; poi, ci allontanano con la loro strepitosa perfezione materica, come se si compiacessero di averci illuso, e allora avvertiamo un improvviso, intenso disagio nell ‘ammirare un “doppio ” che non è uguale a noi, che è forse meglio di noi…

Vittorio Sgarbi
(dalla presentazione al volume Le sculture in bronzo di J. Seward Johnson, Jr)

Foto Inaugurazioni

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Press Release Roma.1

Press Release Roma.2

Press Release Roma 3

Press Release Costa Smeralda, Ischia, Palermo

Press Release Berlino, Hannover, Montecarlo

A JOURNEY IN COLOUR

Milano – Palazzo Isimbardi
C.so Monforte, 35

9 – 28 maggio 2002

In collaborazione con:
TV sorrisi e Canzoni
Provincia di Milano

Queste opere di Micheline Roquebrune Connery sono lo sguardo della cultura francese sugli eventi della cultura americana.
In questi quadri l’Europa cerca di decifrare la coscienza dell’America e di guardare gli eventi dell’arte con gli occhi dell’America.
Sono opere che attraggono e sbalordiscono per la violenza della luce, per l’intensità iperrealistica ai dettagli, per l’attenzione al frammento, per il rifiuto della metafora, per l’assenza di ogni intenzionalità simbolica, per la registrazione senza compiacenze del fluire dei segni e la mite accogliebza di dò che è e accade.
Ma lo sguardo è quello di chi, con la coscienza europea del tempo e dello spazio, isola questi eventi dalla realta e li riawolge in un timbro musicale. Micheline Roquebrune Connery attraversa gli eventi dell’epoca, di dò che l’artista poeta vede con lo sguardo dell’anima.
Roquebrune Connery trasforma l’elenco nudo della sequenza in materia di racconto, in appunto per un romanzo autobiografico.
L’artista dipinge eventi della vita scandita da orologi e da calendari del quotidiano (cultura americana), ma li riconosce con la sola unità di misura del sentimento, del cuore, dell’orizzonte, dell’eterno: la familiarità delle persone amate (l’ultimo ritratto del marito, Sean Connery, è coinvolgente, travolgente, affascinante, definitivo come un sigillo reale).
Racconta gli eventi come una leggenda con lo sguardo dello stupore nel tempo disteso dei sentimenti e del cuore.
Non esistono interferenze tra vita quotidiana (che lo sguardo racconta) e sentimento interpretativo, tra l’esistenza quotidiana e l’esistenza di chi dipinge, tra vedere e sentire, tra sguardo e amore. Sfondo della vicenda e l’arte americana da E. Hopper a G. Bellows, da E. Jawson a G. Wood, da R. Rauschenberg a J. Rosenquist ( la pittura del primo periodo fino a A. Warhol).
Questi sono i prodigi che accadono nel tempo drcolare e simultaneo dell’arte e della poesia.
Questi quadri sono un frammento autobiografico di Micheline Roquebrune Connery, il più prossimo alla verità della sua storia.
Questa pittura è semplicemente libertà, l’unica vera vita di Micheline Roquebrune Connery.
L’artista riesce a vivere la reità come in un sogno, dove tutto si avvera, e i suoi quadri “creano spazio” (R.M. Riike) alla sua anima.
Una autobiografìa con eventi casuali che il suo sguardo coglie e raccoglie nel mondo, ove i colori e i segni sono cronaca dell’incantamento della sua anima.
Una topografia del mondo registrata da un cuore che ama: questa è la pittura di Micheline Roquebrune Connery.

Antonio Porcella

Inaugurazione

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